Steve Rogers pode apontar para o momento específico de sua carreira em que suas aquarelas mudaram de média para excepcional. Isso ocorreu quando ele conheceu sua futura esposa, encontrou um assunto pelo qual era apaixonado por pintura e teve uma experiência religiosa.
de M. Stephen Doherty
Vernazza Sunset 2000, aquarela, 28 x 40. Todas as obras deste artigo coleção privada exceto quando indicado. |
O artista da Flórida, Steve Rogers, subiu ao topo dos aquarelistas americanos nos últimos anos, e está ganhando grandes prêmios, julgando exposições nacionais, demonstrando perante grandes audiências e ministrando oficinas lotadas. Mas há 15 anos ele era como muitos artistas que sobrevivem vendendo pinturas aceitáveis de assuntos populares da região. "Pintei mais gaivotas, faróis e barcos do que gostaria de lembrar", diz ele com uma risada. Essa experiência agora o ajuda a motivar seus alunos a fazer melhorias dramáticas em suas aquarelas. “Tento ajudá-los a melhorar suas habilidades, mas a coisa mais importante que acho que posso compartilhar com eles é a importância de pintar com paixão.”
Rogers encontrou sua própria paixão como resultado de várias mudanças de vida nas décadas de 1980 e 1990, das quais as mais importantes foram conhecer sua esposa, Janet, em uma oficina de Robert E. Wood em 1984; fazendo sua primeira viagem de pintura à Grécia em 1992; e ter uma experiência religiosa durante a primeira viagem ao Mediterrâneo. "Obviamente, não posso ensinar aos alunos como encontrar um cônjuge e não quero impor minhas crenças religiosas a eles, mas posso ajudá-los a entender como é importante pintar algo com o que realmente se importam", diz Rogers. “Julguei várias exposições de aquarela e vejo tantas pinturas bem elaboradas e bem projetadas que não oferecem mais nada. Os artistas não falam com os espectadores de seus corações.”
Uma das maneiras pelas quais Rogers recomenda realizar essa tarefa importante é gastar tempo pensando em um assunto antes de pintá-lo. "Minhas melhores idéias permanecem em minha mente por meses e anos antes de eu realmente pintá-las", explica ele. “Mas mesmo quando estou viajando e pintando, dedico tempo para me sentar e pensar na localização. Os momentos que eu passei absorvendo um novo local enquanto eu sento em silêncio, bebendo uma xícara de café e observando todas as vistas, sons e emoções associados ao local, me ajudarão a responder à experiência total. As pinturas ficam muito melhores do que se eu tivesse tirado uma foto rapidamente e passado para o próximo lugar.”
Etapas de Plaka 1995, aquarela, 28 x 40. |
Rogers também incentiva seus alunos a pintar assuntos de importância pessoal, mesmo aqueles que podem ser sensíveis ou pessoais. “Quando estou ministrando uma oficina, não faço proselitismo, mas deixo as pessoas saberem que a inspiração para o meu trabalho vem da minha fé em Deus”, explica ele. “Eu não pinto assuntos religiosos, por si só, mas acredito que 'Deus é luz'. Eu pinto da profunda influência que Jesus pintou em meu coração! Compartilho isso com os alunos, não em um esforço para convertê-los, mas para salientar a importância de encontrar a própria voz de uma maneira que leve sua paixão ao processo criativo. Pintar é se comunicar no nível mais fundamental e pessoal.”
Parte do processo de oferecer essa comunicação está ganhando controle sobre o processo de pintura, e Rogers demonstra seus métodos de pintura tanto para grandes grupos de artistas quanto para participantes de suas oficinas. “Sou pintor de estúdio e trabalha principalmente com fotografias digitais”, explica ele, “mas desenvolvo desenhos preliminares de uma maneira que vai além do registro mecânico fornecido pela câmera. Geralmente começo criando um desenho de contorno de 18 "-x-24" de um assunto no qual as áreas de sombras estão bem desenvolvidas. Por 'contorno', refiro-me a um desenho feito sem levantar o lápis ou a caneta de pena do papel. Prefiro isso porque quero que as linhas fluam para que não sejam contornos rígidos das formas. Depois, tiro uma foto do desenho e a projeto sobre a superfície do papel aquarela.”
Reflexões do Grande Canal 1998, aquarela, 28 x 40. |
Rogers gosta de estar bem preparado antes de começar a pintar, para não ser interrompido durante o processo. “É importante que as tintas fluam juntas e misturem no papel, e isso é difícil de conseguir se eu tiver que parar para espremer mais tinta ou ajustar o desenho”, explica ele. “Começo desenhando em uma folha de papel de 300 lb prensado a frio. Em seguida, molho e remova delicadamente o excesso de grafite com uma esponja natural. Depois de 10 ou 12 minutos, grampo-o em um quadro, deixando secar para que o papel 'estique'. Seco as bordas do papel perto dos grampos com um secador de cabelo para evitar que os grampos rasguem o papel.
“Como trabalho com lavagens transparentes de cores, preciso garantir que as áreas da pintura que serão deixadas sem pintura sejam limpas e brancas, para que as formas realmente fiquem quando a imagem for concluída”, explica Rogers. “Ao ajudar os alunos com esse importante aspecto da aquarela, eu geralmente os aconselho a fazer um estudo de valor preparatório para que eles saibam exatamente onde essas formas brancas estarão. Sugiro também que pensem em termos de três valores fundamentais em uma pintura - escuro, médio e claro - com o valor mais leve sendo o branco do papel. À medida que se tornam mais experientes, podem ir além dessa estrutura simplificada e trabalhar sem um estudo preparatório.
New Smyrna Dock 1991, aquarela, 21 x 29. |
“Quando terminei o trabalho preliminar e organizei todos os meus materiais de pintura, começo a pintar as formas mais escuras na composição de valores”, explica Rogers. “Estou contradizendo o conselho que muitos outros professores dão aos alunos, mas, na minha experiência, deitar no escuro primeiro dará aos pintores a confiança para usar cores mais fortes de valor médio em vez de pintar várias camadas de pigmento.
"Devo acrescentar algumas palavras de cautela ao pintar os traços iniciais de cor escura", acrescenta Rogers rapidamente. “Muitas vezes, os aquarelistas cometem o erro de supor que os valores escuros precisam ser pintados com uma aplicação pesada de pigmento, mas isso nem sempre é verdade. Muita tinta ou muitas camadas de pigmento escuro podem fazer com que as cores pareçam enlameadas e pastosas. O objetivo deve ser alcançar a maior transparência nas trevas. Como em qualquer outro aspecto da pintura, o problema é de valor relativo, não de intensidade da aplicação da tinta. Além disso, os valores escuros nunca devem ser habitualmente pintados com a mesma mistura de cores escuras, como sépia ou azul ultramarino. Valores escuros podem fazer a transição entre vermelho, azul e verde. Nas passagens escuras, confio nos pigmentos muito transparentes e mais poderosos, como o azul da Prússia, o carmesim alizarino permanente, a magenta permanente, a sienna queimada, o azul ultramarino francês, a loucura marrom, aureolina e até a siena crua (nunca ocre amarelo). Eu nunca uso manchas verdes ou pretas de tubos.
Venetian Light 2003, aquarela, 29 x 21. |
“Depois que essas sombras são estabelecidas, eu ganho valor da mesma maneira que um pintor de óleo: dos valores médios aos destaques”, descreve Rogers. “Ao longo de cada estágio do desenvolvimento da composição, faço todos os esforços para manter a tinta fluindo para que os pigmentos sejam integrados, não isolados, e haja uma integração de cores quentes e frias. Nenhuma forma é completamente fria ou quente na temperatura da cor, e a tinta deve ser aplicada para que haja sombras frias nas áreas quentes do sol e, inversamente, cores quentes nas sombras frias.”
Ao falar sobre a manutenção de transições fluidas entre formas e cores, Rogers enfatiza que ele usa apenas um pincel durante o processo de pintura. “Normalmente pinto uma pintura inteira com uma língua de dragão barata nº 18 do Joe ou um pincel Escoda. Se eu parasse de usar esse pincel grande e passasse para outro menor, os traços subsequentes de tinta provavelmente se tornariam mais apertados e menos flui
O pincel de Rogers não é a única ferramenta importante em seu processo criativo. Ele é muito específico sobre o tipo de paleta que usa, a seleção de cores dos tubos e as roupas que usa enquanto trabalha. “Eu uso todos os pigmentos Winsor & Newton, com exceção de três cores Holbein (magenta permanente, marrom mais escuro e verde cobalto) e azul de manganês da American Journey”, revela o artista. “Em áreas com valores médios e claros, prefiro pigmentos granulados como cores da terra, cádmios, azul cerúleo e azul de manganês. Tento ser intuitivo na seleção exata de pigmento para cada área de uma pintura. Essa é uma das razões pelas quais sempre coloco os pigmentos nos mesmos poços da paleta de pintura. Quero apenas buscar uma cor da mesma maneira que pressionaria uma tecla no teclado do computador, com a mente focada na pintura, não na paleta.
Reflexões da manhã - barcos de mercado 2006, aquarela, 28 x 40. Coleção do artista. |
“Os alunos geralmente não têm experiência suficiente para escolher automaticamente a cor certa, então eu os incentivo a separar os pigmentos destinados aos valores leves e médios daqueles que eles usarão no escuro”, continua Rogers. “Diferentemente da minha esposa, Janet, costumo usar mais cores opacas e granuladas do que as cores sintéticas e manchadas, como as quinacridonas e as ftalocianinas, especialmente nas áreas de valor médio e claro da pintura. Acho mais fácil conseguir ajustes sutis nos valores com a paleta que conheci e posso manipular as combinações de cores por um longo período de tempo. Tento aplicar a cor perfeita em cada situação, mas, na realidade, isso raramente acontece e tenho que fazer ajustes. Fico mais confortável fazendo isso com minha seleção padrão de cores de tubo e o mesmo papel esticado. Por exemplo, acho que os pigmentos granulados são particularmente eficazes na captura do sentido da luz.
“Eu seguro a paleta leve da minha pequena Joe Barato na minha mão da mesma maneira que um pintor de óleo. Isso facilita minha abordagem de pintura direta. Adicionei várias panelas de cerâmica que pertenciam ao meu pai-artista como complemento aos 17 poços profundos. Eu uso uma paleta de metal dobrável Holbein para pintar no local, e ambas me ajudam a pintar de maneira mais direta e imediata. A paleta também mantém a tinta úmida por um longo período de tempo, se espremer bastante tinta fresca e batê-la ou mexê-la até que ela fique plana nos compartimentos. Os alunos geralmente cometem o erro de apresentar quantidades inadequadas de pigmento, o que dificulta a obtenção de cores e valores fortes.
Reflexões da manhã - Veneza 2004, aquarela, 40 x 28. Coleção do artista. |
"Eu pinto em roupas velhas e de cor neutra", explica Rogers ao discutir o aspecto mais inesperado de seu processo de pintura. “Tentei me vestir quando conduzo demonstrações para grandes grupos, mas fiquei tão constrangido que não conseguia pintar bem. O mais importante é criar a melhor pintura possível, mesmo que isso signifique parecer uma boba. Uso bandana quando pinto e, se estou pintando uma pintura quente, é uma bandana vermelha. Se minha pintura pretende ser legal, o lenço é azul. Isso não estabelece uma aura especial que penetra minha psique, mas me lembra meu objetivo.
"Eu sempre fico quando pinto, esteja no estúdio ou trabalhando no local", acrescenta Rogers. “Posiciono o quadro no qual o papel está preso em um ângulo raso, porque a tinta aquarela precisa fluir com a força da gravidade. Em casa, pinto em uma grande mesa de desenho localizada em meu estúdio bem iluminado. Minha foto digital está visível em um monitor de computador e tenho algumas impressões de 8 "-x-10" disponíveis para referência adicional. Ao trabalhar ao ar livre, estou em um cavalete francês Jullian.
Paz de Veneza 2004, aquarela, 40 x 28. |