Ao estudar o desenho, pode ser útil aprender com os mestres que vieram antes, a fim de obter inspiração e encontrar maneiras de enfrentar os desafios que surgem. Para aqueles que descobrem o desenho, existem vários desenhistas mestres que podemos aprender.
por Naomi Ekperigin
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| Retrato de Madame d'Haussonville
por Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1842, grafite, 9 3/16 x 7 '. Coleção The Fogg Art Museum na Universidade de Harvard, Cambridge, Massachusetts. |
"Acredito que o desenho é a base de toda arte", diz a artista Mary Reilly. Ela não está sozinha nesse sentimento. Muitos artistas acreditam que as habilidades de desenho são cruciais para trabalhar em qualquer meio, mesmo que o desenho não seja o interesse principal. Desde o início, havia artistas que valorizavam os desenhos como obras concluídas. Esses artistas elevaram ainda mais o meio e demonstraram a amplitude de oportunidades disponíveis para aqueles que desejavam explorar ainda mais o desenho.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
O pintor neoclássico francês Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) era um desenhista nascido. Desde tenra idade, seu pai cultivou suas habilidades em desenho e, aos 17 anos, Ingres foi para Paris estudar com Jacques-Louis David, que era o "czar da arte" de Napoleão durante a Revolução Francesa. Embora profundamente influenciado pelo pintor renascentista Raphael, e um pintor talentoso, são os desenhos e retratos de Ingres pelos quais ele é mais conhecido.
Ingres mudou-se para a Itália em 1808 depois de ganhar o Grand Prix de Rome, a principal bolsa de arte da França. Lá, ele aperfeiçoou seu ofício, inspirado no trabalho dos Velhos Mestres. Para sustentar a si e a sua esposa, ele aceitou comissões de pintura do estado e completou centenas de retratos em grafite para turistas, dignitários em viagem e imigrantes ricos. Esses pequenos retratos são "grandes obras de arte, capturando um milagre de talento, características, poses, figurinos, atmosfera e caráter", escreveu o historiador de arte Stephen Longstreet. “As pessoas são reais. Eles respiram e existem solidamente na terra.”
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| Estudos de folha de mulheres para o banho turco
por Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1830, caneta, tinta marrom e grafite em duas folhas unidas, 6¾ x 4¾. Coleção do Louvre, Paris, França. |
A capacidade de capturar a realidade era devido à sua habilidade técnica e familiaridade com a anatomia. Com esse conhecimento inato da forma humana, o artista podia renderizar adequadamente a cortina de uma maneira que seguisse a forma do corpo em cada vinco e dobra. A capacidade do artista de capturar uma semelhança veio de sua devoção à exatidão, que ele desenvolveu através do desenho. Ingres era uma gaveta compulsiva, instando os alunos a desenhar com os olhos quando não podiam fazê-lo com um lápis. Por seus retratos e murais pintados, ele às vezes fazia centenas de desenhos preparatórios. Ele parecia achar essa etapa do processo mais satisfatória do que a pintura real dos murais, que ele às vezes abandonava. “Os estágios foram: estudar da vida, arrancar a verdade da experiência, quadrar, ampliar, transportar sobre tela, voltar, se necessário, ao modelo para esse ou aquele detalhe”, escreveu Avigdor Arikha em JAD Ingres: Fifty Life Drawings from the Musée Ingres em Montauban, o catálogo de uma exposição no Museu de Belas Artes de Houston. - Pedir luvas ao conde de Pastoret ou voltar ao braço esquerdo de madame Moitessier, desenhando-o em tamanho real para transpor diretamente sobre a tela, voltando a ele várias e muitas vezes. Foi quando Ingres ficou atolado. Foi um processo muito elaborado - quase obsessivo -, cujo objetivo era aproximar-se da verdade do assunto.”
Artistas de todos os níveis podem aprender com a atenção de Ingres aos detalhes. Sua ética de trabalho era admirável, e ele criou desenhos que eram tecnicamente agradáveis e emocionalmente ressonantes. "De todos os mestres que eu estudei, eu mais gostei do trabalho de Ingres", diz Reilly. “Os materiais preferidos de Ingres eram o lápis de grafite pontiagudo e o papel branco liso. Ele acreditava que a cor não passava de um acessório para desenhar. Para ele, desenhar não era apenas a linha. Foi a expressão, a forma interna, a composição e a modelagem.”É essa visão que influencia a arte moderna do século XX e as gerações de artistas de Degas a Dinnerstein.
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| Mulher nua sentada
de Pierre-Paul Prud'hon, 22 x 15. Coleção Metropolitan Museu de Arte de Nova York, Nova york. |
Pierre-Paul Prud'hon
Como Ingres, Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823) foi aclamado como pintor, mas o desenho era a base de seu trabalho. Conhecido em seus dias por suas pinturas alegóricas e mitológicas, agora são seus desenhos de figuras que inspiram e surpreendem os espectadores. Como estudante de arte na Academia Dijon, no início dos anos 1780, Prud'hon dedicou-se ao treinamento rigoroso em desenho que era considerado necessário para todos aqueles que esperavam uma carreira de sucesso como artista. As academias - estudos elaborados a partir do modelo ao vivo - eram a maneira pela qual os alunos aprimoravam suas habilidades, completando centenas desses desenhos quando estavam prontos para seguir suas profissões. O processo levou anos e eliminou vários aspirantes, devido à falta de dedicação ou talento. Embora esse treinamento rigoroso e demorado possa parecer complicado para os alunos de hoje, esses desenhos de figuras foram cruciais para os artistas, muitos dos quais criaram esses estudos ao longo de sua carreira para idéias e prática.
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| Academia de um homem sentado
por Pierre-Paul Prud'hon, giz preto e branco em papel azul, 14 9/17 x 10 ?. Coleção Museé Baron Martin, Gray, França. |
Prud'hon era um desses artistas e, mais do que seus contemporâneos, se agarrou às academias ao longo de sua carreira. O que é ainda mais digno de nota, talvez, é que Prud'hon passou a favorecer esses desenhos de figuras em vez de pinturas concluídas, mesmo quando sua carreira avançou. Em 1788, o artista havia desenvolvido um estilo característico de figuras desenhadas em giz colorido sobre papel colorido. Os desenhos são geralmente construídos em várias camadas, incluindo hachuras e amplas passagens de tonificação e coto. Ao misturar linhas, tons e várias técnicas, Prud'hon apresentou aos artistas toda a gama de possibilidades expressivas de giz e papel. "Os estudos de Prud'hon transmitem um forte senso de emoção", diz Reilly. “Suas marcas parecem frouxas e livres, mas estão perfeitamente posicionadas.” Concorda o artista Kenneth Procter, “Prud'hon concluiu alguns desenhos em que o núcleo da sombra corre como uma faixa por toda a extensão de uma pose, expondo todas as nuances de músculo - é absolutamente deslumbrante.”Com seu conhecimento do corpo humano tão profundamente arraigado, ele podia se concentrar no assunto e imbuir-lhe vida, marcando rapidamente e respondendo imediatamente a seus próprios pensamentos sem se preocupar com anatomia ou verossimilhança.
Em tenra idade, Prud'hon adicionou "Paul" ao seu nome, em homenagem ao pintor flamengo Peter Paul Rubens (1577-1640), que também era um desenhista mestre. Prud'hon compartilhou o amor do artista pela figura humana e o profundo conhecimento da anatomia, mas é aí que as semelhanças terminam. Rubens era um defensor do estilo barroco, conhecido por sua ênfase na cor, detalhes luxuosos e movimento dinâmico. Prud'hon, por outro lado, retirou o movimento dramático e concentrou-se na maneira como a luz se movia através das formas. No entanto, o que Prud'hon aprendeu com seu antecessor é a importância de criar constantemente novos trabalhos, independentemente do estilo. Rubens foi um dos artistas mais prolíficos e diversos de sua época, com uma produção que incluía retábulos, pinturas históricas, retratos e paisagens, além de ilustrações de livros e projetos arquitetônicos.
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| A Assunção da Virgem
de Peter Paul Rubens, ca. 1612, tinta marrom e lavagem marrom, cor do corpo branco e giz preto no marrom papel, 11? x 9? Coleção Albertina Museu de Viena, Áustria. |
Jovem sentada com braços erguidos
por Peter Paul Rubens, 1631-1632, giz preto e vermelho com branco aumento, 16 x 19 11/16. Coleção Staatliche Museen zu Berlim, Kupferstichkabinett, Berlim, Alemanha. |
Peter Paul Rubens
Além disso, o artista produziu centenas de desenhos, que desempenharam uma variedade de papéis de apoio em seu trabalho desde o início de sua carreira. Como jovem artista, ele passava grande parte do tempo copiando obras de arte; uma mudança para a Itália em 1600 mudou seu assunto para o trabalho dos mestres da Renascença. O objetivo de desenhar obras de Ticiano, Michelangelo e Rafael não era simplesmente aprender. Como observa o instrutor-artista John A. Parks: “Na verdade, foi uma tentativa de vasculhar a iconografia e as composições disponíveis para que ele pudesse acumular uma biblioteca pessoal de imagens para uso posterior. O que o artista mais valorizou nesses desenhos não foi a caligrafia pessoal ou a qualidade da renderização, mas simplesmente as informações de design.”
Rubens usou essa biblioteca de imagens para servir de inspiração para os grandes retábulos que ele foi contratado para criar. Ele começaria esses grandes trabalhos com um desenho preliminar em giz preto ou marrom, depois criaria um esboço a óleo. Depois disso, o artista voltou ao desenho, produzindo peças maiores a partir de modelos vivos usando giz preto. Esse desenho maior permitiu incluir mais detalhes e precisão anatômica e infundir seu assunto com uma vivacidade da qual os artistas barrocos se orgulhavam.
Embora Rubens provavelmente tenha pensado pouco em seus desenhos, os artistas de hoje podem extrair muito de seus trabalhos preparatórios. Seus desenhos serviram para enriquecer suas pinturas e o ajudaram em todas as etapas do processo. Quando ele finalmente pôs o óleo na tela, ele tinha uma visão clara e tinha certeza de como executá-lo. Através do desenho, Rubens expandiu seu vocabulário visual, permitindo-lhe criar centenas de obras brilhantes.
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| Mulher com criança morta
por Käthe Kollwitz, 1903, gravura. Coleção da Galeria Nacional de Art, Washington, DC. |
Käthe Kollwitz
O pintor, gravador e escultor alemão Käthe Kollwitz (1867–1945) pode ser mais conhecido por seu assunto do que por sua habilidade. Suas gravuras, litografias e desenhos eram principalmente das pessoas da classe trabalhadora que ela via ao seu redor e apresentou aos espectadores relatos emocionantes do sofrimento e da luta humana. Sua profunda conexão emocional com seus súditos lhe permitiu criar arte que ainda ressoa com o público hoje em dia, e pode inspirar artistas que desejam abordar assuntos pessoais e / ou políticos. “Fui atraído pelo trabalho inicial de Kollwitz e pela profundidade de forma que ela obteve de seus copiosos trabalhos de linha”, diz o artista e instrutor Dan Gheno. “Eu também apreciei a força emocional em seu trabalho. Ela me ensinou que eu poderia ir muito além da superfície se olhasse dentro de mim.
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| Auto-retrato
de Käthe Kollwitz, 1924, litografia. |
Kollwitz costumava trabalhar em ciclos, abordando o tópico de revoltas e mudanças históricas. A primeira dessas séries foi The Weavers, que consistia em três litografias e três gravuras baseadas na dramatização do dramaturgo alemão Gerhart Hauptmann sobre a revolta fracassada de 1842. As obras de Kollwitz não eram uma ilustração literal dos fatos históricos ou da adaptação de Hauptmann; em vez disso, concentrou-se na miséria, esperança e fortaleza dos trabalhadores. Quando essas peças foram exibidas ao público em 1898, a artista recebeu muitos elogios, e ainda é um de seus projetos mais famosos. Posteriormente, foi seguida por sua série Guerra dos Camponeses (1902-1908), baseada na rebelião dos camponeses alemães de 1522-1525. Na época desta série, a artista era considerada uma das mais importantes artistas gráficas alemãs de sua época.
Além de variar seu assunto, Kollwitz explorou uma série de técnicas de gravura com essas séries, incluindo gravação de fotos, intaglio e impressão litográfica em cores. Nesse momento, ela simplificou seu trabalho, deixando para trás sua abordagem realista altamente detalhada em favor de uma narrativa de emoção. É esse compromisso com temas humanistas e uma conexão emocional que ajuda a distinguir o trabalho de Kollwitz.
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| Retrato de Igor Stravinsky
de Pablo Picasso, 1920, grafite, Coleção Museé Picasso, Paris, França. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881-1973) é um artista de renome internacional, que viveu na Europa em tempos turbulentos e usou sua arte para interpretar as rápidas e, às vezes violentas, mudanças que ocorreram ao seu redor. Enquanto o artista completou centenas de pinturas pelas quais ele é bem conhecido, seus desenhos estão no centro de seu trabalho. “O coração da evolução de Picasso como artista e ícone está em seu rascunho - é onde suas experiências e descobertas visuais foram geradas”, diz a artista e professora Lisa Dinhofer. Artista com profundo conhecimento dos fundamentos e extensa formação acadêmica, Picasso conseguiu desconstruir um assunto, tornando-o nas poucas linhas necessárias e chegando à sua essência. "É preciso o conhecimento detalhado de um desenhista mestre para retratar um objeto em sua forma mais simples", diz Dinhofer. “Não com uma marca suavizada de Conté, não com um acúmulo de hachuras cruzadas para volume, não em tons de grafite em camadas para modelar uma área, mas com uma linha direta transmitindo toda forma e espaço.”
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| Nusch Eluard
de Pablo Picasso, 1938, carvão vegetal e grafite sobre tela. |
O trabalho de linha de Picasso indicava as formas interna e externa de seu sujeito, e ele podia preencher o plano da figura removendo detalhes volumétricos. Isso pode ser visto em retratos como Max Jacob, Retrato de Erik Satie e Helena Rubenstein. Observando sua experimentação com linhas e formas, os artistas podem entender como Picasso forçou os espectadores a ver objetos de novas maneiras e ainda ultrapassa nossos limites hoje. Sua obra-prima Guernica, criada em 1937, incorpora as teorias em mudança do artista e a experimentação com linhas. Como observa Dinhofer, “a composição é baseada unicamente na justaposição de espaço e linha. O interior e a paisagem representados são achatados, empurrando todas as figuras para o primeiro plano. O resultado é um ataque avassalador … realizado com uma linha arrojada e ininterrupta, formas recortadas e um plano de imagem compactado.”
