Este artigo sobre o artista de natureza morta Harriet Shorr, escrito por Rick Stull, apareceu originalmente na edição de janeiro / fevereiro de 2011 da The Artist's Magazine.
A artista de natureza morta Harriet Shorr escreveu e falou eloqüentemente sobre suas pinturas, abordando questões complicadas de forma, conteúdo e significado - questões que frequentemente levantam tantas perguntas quanto são esclarecidas durante essas discussões. Nem essas discussões dissipam o mistério da obra de um artista. A capacidade de uma obra de arte se recuperar após esse exame minucioso e proporcionar um prazer sem fim certamente deve ser uma de suas características significativas e valorizadas. O mesmo se aplica às discussões das questões mais práticas de procedimento e técnica. Quando tudo estiver dito e feito, quando uma pintura for analisada e, de certa forma, desconstruída, sua capacidade de deleitar deve permanecer. É o caso da arte de Shorr.
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Ainda vida objetos sem objetivo
Em minha recente conversa com Harriet Shorr, mantivemos as questões práticas - como ela realmente prepara e faz suas pinturas de natureza morta. Discutimos sobre telas, pincéis, macas, marcas de tintas e gesso. E, é claro, conversamos sobre os objetos estranhos e díspares que habitam suas pinturas.
“Os objetos que escolhi inicialmente para uma pintura podem não necessariamente coincidir com o que estou pensando e sentindo no momento”, diz Shorr. De fato, ela conscientemente tenta não procurar objetos com uma agenda específica em mente. Ela também não questiona o que os faz "clicar" juntos. “Eu encontro muitos objetos nos mercados de pulgas e enquanto ando pelas ruas de Nova York”, diz Shorr.
Quando ela sente que reuniu todas as suas "coisas", ela organiza (um termo que Shorr prefere "compor") os itens em uma mesa em seu estúdio (localizado no loft do SoHo em Manhattan a maior parte do ano e na zona rural de Vermont durante o verão). Esse ato de organizar objetos de natureza-morta, embora basicamente intuitivo, é algo que Shorr faz com um certo grau de autoconsciência. Shorr explica que quando ela organiza objetos em sua mesa, ela geralmente tenta variar os espaços entre eles. "Mas minha idéia sempre foi que, se a tinta estiver realmente funcionando, qualquer relacionamento de composição poderá ser convincente".
Prosseguindo neste modo casual, mas alerta, Shorr escolhe uma tela, tamanho e orientação governados por seu arranjo de objetos. Ela usa telas esticadas, normalmente cobertas com uma única camada de meio de brilho, seguida por duas camadas de gesso. Ela prefere lona ao linho porque "o linho é caro e é mais difícil de esticar perfeitamente".
Direto para a pintura
Pode-se pensar que uma certa quantidade de desenho ou esboço seria o próximo passo, mas não é assim. Shorr não faz um desenho preliminar para suas obras de natureza morta: “Muitas pessoas pensam”, ela diz, “que há uma conexão necessária entre desenho e pintura, ou seja, você precisa entender algo desenhando antes de pintá-lo. Eu não acredito nisso.
Claro, essa não é a história toda. Usando pincéis de cerdas para áreas maiores de cor e pincéis de zibelina para modelagem mais precisa, ela cria as diferentes formas, suas sombras e os espaços entre as formas enquanto pinta, mantendo a fluidez da pintura. Shorr desenvolveu essa fluidez e a prática de pintar molhado em molhado depois de estudar com Alex Katz na Escola de Arte e Arquitetura de Yale na década de 1960.
Extravagância prática
Sobre o tema da pintura, Harriet Shorr encera adamantina. "Você deve ser extravagante com seus materiais." E ela é. Usando os óleos da Old Holland, ela mistura suas cores especificamente para uma pintura e não mantém nenhuma tinta de uma peça para trabalhar na próxima.
"Dermo minhas cores de minhas percepções", diz Shorr. Ela acrescenta: “Não tenho nenhum interesse real no equilíbrio de cores. Eu apenas pinto a cor que vejo. Se mudar, eu troco com ela.”Ela usa um pincel diferente para cada cor e para cada gradação dentro de uma determinada cor.
Liderados por Luz e Visão
Shorr normalmente começa a trabalhar às 9 ou 10 da manhã e geralmente para por volta das 3 da tarde. Isso certamente está de acordo com um artista que atende tão de perto aos efeitos da luz. Afinal, ela é a pessoa que, ao descrever como completou uma natureza morta, disse uma vez: “Enquanto trabalhava na pintura, esperaria até que o raio de luz caísse no mesmo local para pintar as passagens específicas influenciadas por aquela luz. Todos os dias eu pintava as mesmas partes da pintura ao mesmo tempo.”
Ela pinta o que está vendo: objetos, roupas, montanhas vistas através das janelas de seu estúdio em Vermont, construindo fachadas vistas através das janelas de seu loft no SoHo. Isso pode parecer um procedimento estranho para um artista que inclui Barnett Newman entre suas principais influências. Torna-se menos bizarro, no entanto, quando você considera a frontalidade estrutural e os sussurros da abstração do Campo de Cores em suas pinturas.
O que se nota ao contemplar uma pintura de natureza morta de Shorr, como Objetos de Uso para Mim (acima) - os traços abstratos mencionados acima - é o cuidado e a atenção que ela dá para garantir que cada centímetro quadrado da tela tenha igual importância. Nenhum objeto ou seção específica de pano ou paisagem chama a atenção. O espectador olha fixamente para o todo, como se poderia olhar para uma seção de floresta ensolarada ou através de um trecho de deserto. Ou o olho pode viajar pela superfície, deliciando-se com a justaposição de cores ricas, a iluminação da luz que dá forma, os matizes variados e as sombras escuras dos mundos de Shorr. É uma alta forma de prazer que navega o significado do título da pintura do utilitário para o sublime.
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