Rembrandt era Brill. Tutoriais de desenho que mostram o porquê…
Ok, eu nem sei como certificar um gênio, mas sei que estou certo sobre uma coisa: Rembrandt era um deles. O maior dos grandes mestres holandeses, Rembrandt fez arte que era uma revelação na época e agora. Isso vale para suas pinturas, é claro, mas também para seus desenhos.
Ele usou uma técnica rápida e abreviada no desenho para registrar impressões visuais do mundo ao seu redor e de sua própria imaginação cornucópica (é uma palavra), prenunciando desenvolvimentos na arte moderna mais de dois séculos depois; isso é praticamente igual ao gênio no meu livro.
Explore este punhado de obras requintadas do Velho Mestre, que era "moderno" antes de sua época. Pense em como cada um desses tutoriais de desenho pode abrir seus olhos para o poder inerente do desenho. Reconheça que entender a beleza é entender a habilidade artística que Rembrandt pôs em jogo toda vez que ele trabalhava.
Mais importante ainda, procure recursos que avivem seu entusiasmo e habilidade em projetar. Um desses recursos é o Keys to Drawing with Imagination - um manual importante para estudantes de desenho que está comemorando seu 10º aniversário impresso. Desfrutar!
Courtney
Desenho na era de Rembrandt - e agora
Os desenhos foram muito apreciados durante a vida de Rembrandt (1606-1669) e permaneceram os favoritos perenes desde que começaram a entrar nas coleções de museus no final do século XVII. Em Amsterdã, onde Rembrandt viveu e trabalhou a maior parte de sua vida, o Rijksmuseum exibiu desenhos de Rembrandt às dezenas por décadas.
Nos Estados Unidos, os desenhos de Rembrandt estão em todas as coleções notáveis de costa a costa. A gama completa da produção gráfica de Rembrandt percorre os temas de retratos e autorretratos; cenas da vida cotidiana; e paisagem, assuntos históricos e religiosos.
Desenho em tempo real
Ao descrever o estilo de desenho maduro de Rembrandt, críticos e historiadores frequentemente recorrem à palavra "taquigrafia", que sugere caligrafia ou caligrafia, em particular, o sistema de escrita abreviada que permite aos estenógrafos adotar o ditado "em tempo real"., transmite com bastante precisão a essência da abordagem de Rembrandt ao desenho - embora ele estivesse, é claro, gravando impressões visuais, não sons.
Muitos artistas modernos, de Matisse a Warhol, desenvolveram técnicas abreviadas de desenho, mas um dos progenitores foi Rembrandt. O estudioso e historiador da arte de Rembrandt, Jakob Rosenberg (1893–1980), aponta que esse aspecto moderno da obra do mestre influenciou o artista e os movimentos nos séculos posteriores.
“A taquigrafia em si não é uma qualidade admirável, a menos que combine brevidade com sugestividade, a menos que a brevidade seja o resultado de uma seleção sensível, com ênfase em características significativas e um apelo à imaginação do espectador”, diz Rosenberg. “A taquigrafia de Rembrandt atende a esse teste; lembra frequentemente a conquista de desenhistas do Extremo Oriente e prenuncia o impressionismo do século XIX. Também prova que a economia artística e o poder de expressão são qualidades interdependentes.”
O amor de Rembrandt pela linha
A característica marcante da linha de Rembrandt é o que Andrew Robison, da Galeria Nacional de Arte, chama de "oscilação", sua mudança instantânea e agradável do golpe descritivo que dá forma ao golpe abstrato que expressa livremente a sensibilidade estética de seu criador (esses golpes geralmente são um e o mesmo).
Como Daniel M. Mendelowitz observou em seu livro clássico, Drawing (Henry Holt & Company, Nova York, Nova York): “Talvez ninguém tenha se unido tão bem quanto Rembrandt a uma exposição disciplinada do que seus olhos viam e um amor por ele. linha como uma coisa bonita em si mesma."
Mas o "amor à linha" de Rembrandt não era um fim em si mesmo, como foi com Matisse, por exemplo; Os arabescos de Rembrandt não são principalmente decorativos, mas têm uma função filosófica, pode-se até dizer religiosa. As linhas piscantes de Rembrandt estendem-se constantemente além dos objetos que descrevem para conectá-las à cadeia viva e maior do ser - “o fluxo contínuo da criação”, nas palavras de Rosenberg.
Para grande desgosto dos críticos acadêmicos, o maduro Rembrandt evitou a bela e ininterrupta linha de contorno. Isso causou uma certa quantidade de problemas para seus desenhos em algumas épocas posteriores, particularmente no século 18, quando traficantes e colecionadores influenciados pelo neoclassicista foram levados a "completar" as canetas e tintas de Rembrandt com a adição de linhas e lavagens que estragavam suas sugestões de imortalidade.
Podemos explorar o desenvolvimento e o significado da abordagem taquigráfica de Rembrandt através de vários desenhos que abrangem sua carreira.
+ Rembrandt iniciou sua carreira a sério com seu aprendizado de seis meses no pintor de Amsterdã Pieter Lastman em 1624/1625
+ Durante seus 44 anos de trabalho, Rembrandt criou mais de 2.000 desenhos, a maioria em tinta com caneta e pincel.
+ No entanto, no início, ele costumava desenhar giz, geralmente preto, mas às vezes com vermelho, e ocasionalmente usava uma combinação de preto e vermelho.
Tutoriais de desenho - Old assentado, esboço e versão final
Fundo. Iniciado por Rembrandt e datado de 1630, este desenho é um dos vários estudos da vida do modelo para sua pintura Um estudioso assentado em seu estudo.
Composição. Esse desenho de giz preto mostra o modelo na vista de três quartos, sentado com o cotovelo esquerdo apoiado no braço de uma cadeira, que está totalmente oculta pelas dobras da capa.
Luzes. Uma luz forte atinge a cabeça quase totalmente e a partir do canto superior esquerdo, de modo que o lado iluminado da cabeça se misture quase imperceptivelmente com o papel intocado do fundo. Essa modelagem delicada da cabeça contrasta notavelmente com o manuseio áspero e aparentemente bruto das linhas e do sombreamento na capa e nas mãos.
Processo. Depois de esboçar levemente os contornos, Rembrandt estabeleceu rapidamente a massa do corpo, fazendo uma série de marcas de sombreamento paralelas, geralmente correndo na diagonal do canto superior direito para o canto inferior esquerdo. Algumas dessas marcas de sombreamento são aparentes no canto inferior esquerdo do desenho e à direita do braço esquerdo do modelo, onde servem para indicar sombras projetadas.
Ao fazer essas marcas, Rembrandt aplicou o giz com pressão contida, explorando assim o grão do papel e a tendência do giz (possivelmente um tipo de giz de cera levemente ceroso) a prender nas “cristas” enquanto deixava os “vales” intocados. Isso dá aos meios-tons uma qualidade atmosférica e arejada e foi usado com um propósito brilhante para transmitir o efeito da luz refletida na sombra no lado direito da cabeça.
Tendo reunido o corpo com sombras luminosas, Rembrandt começou a criar uma sensação de volume, desenhando vigorosamente com pinceladas escuras e pesadas para indicar os contornos das costas e dos ombros, as dobras da cortina e as sombras mais profundas.
O artista aplicou uma pressão tão forte para desenhar as sombras sob os braços que o grão do papel foi totalmente obliterado. Se o desenho tivesse sido um exercício puramente acadêmico, poderia ser considerado "estragado" por essas últimas notas pesadas. No entanto, eles são completamente apropriados em um estudo da estrutura de valores de um pintor que precisava encontrar e registrar as mais escuras sombras e as luzes mais claras.
A resolução final. O resultado final deste desenho é energia contorcida. Rembrandt o expressa nos dedos entrelaçados do modelo e nas curvas inquietas do contorno à esquerda, que começa com a borda irregular da cortina perto do sapato, dobra-se antes de subir para o botão do apoio de braço e finalmente quebra como uma onda espumosa na barba do velho. Nesse ponto, encontra uma linha perpendicular a ela - composta de curvas compostas extraordinariamente apertadas - que delineia a passagem da barba para a pele do rosto, que está em uma sombra profunda.
Esboço versus versão final. O estudo de três quartos do modelo de Rembrandt descreve um fluxo de transições luminosas, enquanto esse desenho completo parece revelar formas excêntricas e mudanças bruscas de direção.
Para começar, a silhueta geral, com suas saliências e entalhes estranhos, e então, dentro da silhueta, os planos iluminados - em ordem decrescente - da testa, barba, antebraço, mãos e joelho.
Por meio desse arranjo formal, Rembrandt transmitiu um senso realista do que seu modelo provavelmente era: não um santo ou um filósofo (como sugere o estudo de três quartos), mas um velho vagabundo, um personagem local da vizinhança do artista em Leiden.
Tutoriais de desenho - uma jovem mulher no banheiro
Fundo. Sem sair da Holanda, Rembrandt participou totalmente do grande movimento internacional de arte de sua época, o Alto Barroco. De fato, ele foi o único artista holandês de sua geração a fazer importantes contribuições para retratos de grupo, pintura histórica e arte religiosa, da maneira grandiosa de contemporâneos renomados como Rubens, Van Dyck, Caravaggio e Velázquez.
Após sua mudança para Amsterdã, um importante centro comercial e portuário da Europa, Rembrandt teve acesso a bons exemplos de arte flamenga, italiana e espanhola, bem como a materiais ainda mais exóticos da Ásia - miniaturas persas, das quais ele tirou cópias, e provavelmente pinturas e gravuras chinesas e japonesas.
O profissional consumado, ele usou todos os truques do livro - e alguns não. Por exemplo, ele explorou a cor cremosa e a superfície lisa do papel de amoreira japonesa ao imprimir suas gravuras do nu feminino.
Seleção do Assunto. Mas Rembrandt combinou esse cosmopolitismo estético com um amor caracteristicamente holandês pelo prosaico. Assim, há cenas da vida doméstica, as idas e vindas cotidianas dos vizinhos e as características não marcantes da paisagem local - cabanas de camponeses, canais lânguidos, polders planos (também uma palavra), em que moinhos de vento ocasionais ou árvores isoladas aliviam a tédio e um imenso céu em constante mudança.
O insight principal de Rembrandt foi que esses assuntos poderiam se tornar os veículos da grande arte, e ele derramou em suas pinturas e desenhos deles sua sofisticação artística, além de uma energia espiritual e uma profundidade de empatia humana sem rival por nenhum de seus grandes contemporâneos. exceção de Shakespeare.
Esboço de uma heroína ou um prazer autônomo. Um dos destaques da coleção de Albertina é A Young Woman At Her Toilet, um desenho a tinta de caneta e lavagem de meados da década de 1630. O desenho já foi considerado um estudo para uma pintura de heroína bíblica, mas agora parece mais provável que, como a maioria dos desenhos de Rembrandt, seja uma criação independente, feita por prazer e por praticar suas habilidades.
A jovem mulher com o cabelo trançado é provavelmente a esposa de Rembrandt, Saskia; a mulher mais velha atrás dela poderia ser uma criada. Saskia era de uma família rica e, nessa época, Rembrandt desfrutava do auge de seu sucesso comercial como o mais procurado pintor de retratos de Amsterdã.
Mudança de médio porte. A mudança no meio de giz para caneta e tinta levou a dois novos desenvolvimentos na abreviação gráfica de Rembrandt. O primeiro é um uso mais econômico da linha para descrever a forma e o gesto: com a caneta, o artista desenha apenas as partes superiores das duas figuras e concentra a maior parte de seu esforço na área diagonal, da cabeça da mulher em pé às mãos da a mulher sentada.
O segundo é o uso de lavagens escuras para indicar volumes, luz e sombra e ênfase dramática. A transição tonal aqui não é sutil - quase não há meios-tons luminosos - datando o desenho de Albertina no estágio inicial do uso de caneta e lavagem por Rembrandt. Sua fusão sensível de pinceladas com pinceladas, de sotaques lineares e tonais, é uma das características de seu domínio posterior do meio.
Como em todo o seu trabalho em caneta e tinta, Rembrandt desenhou Uma Jovem no Banheiro, sem esboços preliminares em giz ou grafite. As linhas arrojadas fazem curvas longas e confiantes que terminam em ganchos e voltas - um exemplo primordial de seu prazer óbvio na criação de marcas abstratas de formas maravilhosas.
Tutoriais de desenho - As paisagens
Voltando a um desenho paisagístico da década de 1640, Paisagem aberta com casas e um moinho de vento (o antigo moinho de cobre no Weesperzijde), também em Albertina, experimentamos o manuseio de caneta e pincel de Rembrandt da maneira mais requintada. O desenho foi feito no local, assim como centenas de outras pessoas com as quais ele encheu seus cadernos de esboços durante seus passeios pelos arredores de Amsterdã.
O motivo é convencional - uma árvore repousante à esquerda ancora a composição, e o centro de interesse na distância média fica entre um primeiro plano escuro e uma vasta extensão de céu. O artista transformou essa fórmula em um complexo drama de múltiplas tensões espaciais e marcações peculiares, e ainda consegue transmitir uma ilusão convincente de atmosfera saturada de luz.
Médio. As lavagens neste desenho variam de suaves e delicadas, como nos planos espaciais distantes dos edifícios no horizonte à direita, até ásperas e texturais, feitas arrastando um pincel meio seco sobre o papel no canto inferior direito. Rembrandt criou um efeito especialmente delicioso à esquerda, usando uma combinação de algumas linhas e pontos com uma lavagem levemente arrastada para reproduzir as texturas complexas de folhagem e edifícios que brilhavam no ar úmido e nebuloso.
Um impressionista do despertar. Por mais radical que fosse para a época, Rembrandt introduziu a experiência do realismo perceptivo em seus desenhos de paisagens. Ele desenhou como os olhos vêem, com detalhes concentrados na área focal central, enquanto objetos periféricos - por exemplo, a árvore na extrema esquerda - recebem apenas tratamento superficial. Mais uma vez, ele antecipou um desenvolvimento posterior na arte européia (o subjetivismo do impressionismo francês) por mais de 200 anos.
Uma ferramenta para o ritmo. Na década de 1640, Rembrandt adicionou a caneta de cana ao seu kit de ferramentas. A palheta faz uma linha mais áspera e mais pesada que a pena, que Rembrandt também usou neste desenho paisagístico para o delicado trabalho da linha nos edifícios. Os movimentos fluidos e torcidos da caneta reed - particularmente perceptíveis na árvore e onde o artista indica a margem da vala no primeiro plano esquerdo - criam um forte contraponto rítmico à calma horizontalidade da paisagem.
Tutoriais de desenho - Cristo com seus discípulos
Em meados da década de 1650, a caneta de junco havia se tornado o instrumento de desenho preferido de Rembrandt (como seria também para Van Gogh). Cristo com seus discípulos e a mulher que sangra (final da década de 1650, de Albertina) é um desenho de cana-de-cana que mostra o estilo taquigráfico de Rembrandt em sua fase final. Em contraste com suas paisagens do período intermediário, onde ele se preocupava em dar uma sensação de recessão espacial e atmosfera, em seus desenhos posteriores, ele ignorou os efeitos espaciais em favor de uma monumentalidade clássica construída de formas tectônicas simples.
Enredo. O assunto deste desenho é um dos milagres de Cristo, conforme descrito em Lucas 8: 40 - a cura da mulher que sangra. Ela secretamente se aproxima de Cristo na multidão e toca sua túnica, que instantaneamente interrompe o sangramento. Quando Jesus percebe isso, ela cai e diz a ele o que fez; Cristo então diz a ela que sua fé a curou.
Rembrandt optou por representar o clímax emocional da história. A cena é retratada como se estivesse em um palco ou como um relevo escultural. As figuras em pé formam um friso, com a cabeça geralmente no mesmo nível, enquanto a cabeça da mulher prostrada está no fundo, em um nível com duas ovais indistintas (cabeças?) No canto inferior direito. As figuras são meros desenhos de gestos - cada um provavelmente foi desenhado em um minuto ou menos. E, no entanto, a unidade formal da composição, bem como a variedade de expressões capturadas - o ceticismo, a curiosidade e o choque dos discípulos, a compaixão de Cristo, a profunda humildade da mulher - são surpreendentes.
Tornando Real. A arte gráfica de Rembrandt estava firmemente fundamentada no desenho da vida. Assim, quando ele usou seu estilo taquigráfico para tirar “ditado” de sua imaginação, como neste desenho, o resultado tem naturalidade e imediatismo, como se o próprio Rembrandt tivesse testemunhado a cena. Quando tinha 50 anos, o artista havia atingido o auge de seus poderes: alcançara uma integração e interpenetração quase perfeitas da disciplina artesanal, inteligência artística, percepção emocional e iluminação espiritual.
Para Rembrandt, as histórias da Bíblia eram tão reais e convincentes quanto qualquer coisa que ele pudesse ver com seus olhos, e é por isso que ele dedicou tanto de seu gênio e energia física para torná-las "reais" através de sua arte: para que outras pessoas, cujas fé e imaginação eram fracas, podiam experimentar sua relevância imutável.
O custo do gênio. Durante séculos, os escritores fizeram grande parte da ironia na história de Rembrandt: quanto mais ele se aproximava da plena integração de sua personalidade com sua arte, menor o número de pessoas no mundo. Ele se tornou um famoso falido, e os críticos o sustentaram como um exemplo de como não pintar e desenhar.
O mais perturbador para quem gosta do ideal clássico foi a negligência de Rembrandt da clareza linear e plástica. Joachim von Sandrart, que conhecia o mestre pessoalmente e, em geral, era um biógrafo compreensivo, escreveu que Rembrandt “não hesitou em se opor e contradizer nossas regras da arte, como anatomia e proporções do corpo humano, perspectiva e utilidade da arte clássica. estátuas, desenhos de Rafael e disposição pictórica criteriosa, e as academias que são essenciais para nossas profissões.”
Para agravar a ironia, Rembrandt entendeu todas essas regras e usou a maioria delas de uma vez ou de outra. Seus contemporâneos não puderam apreciar o que ele fez com eles.
Tutoriais de desenho - O último auto-retrato
Depois de um século ou mais de inconvencionalidade na arte, depois de mais de 100 anos de rebelião e derrubamento de regras, podemos pensar que entendemos Rembrandt melhor do que seus contemporâneos. Mas olhar para um dos raros desenhos de auto-retrato de Rembrandt - o último, Auto-retrato em uma boina, por volta de 1660 - nos faz pensar.
Desenhe como tinta. A obra apresenta um tratamento pictórico incomum - as lavagens incluem uma cor corporal opaca - e proporciona uma atmosfera espessa e nebulosa através da qual o olhar do artista corta como um holofote. O efeito que isso produz é, literalmente, "sublime": evocando sentimentos de admiração, e para quem já pegou um lápis com a vaga esperança de se tornar um artista, o terror. Esse trabalho seria premiado em uma de nossas exposições de “bom” desenho hoje?
Últimos pensamentos sobre o incrivelmente moderno e antigo mestre
A palavra final pertence ao historiador de arte Jakob Rosenberg, que na longa passagem seguinte aborda o paradoxo da aparente modernidade de Rembrandt e seu profundo afastamento do mundo que o modernismo criou.
“Um intérprete compreensivo da arte madura de Rembrandt em seus dias enfrentaria a difícil tarefa de provar que aqui também estava implícita uma filosofia - uma que pudesse competir com a do classicismo, mas que exigisse uma forma artística muito diferente. Essa filosofia coloca a verdade antes da beleza. Mas não era apenas a verdade visual óbvia do mundo físico, mas também, penetrando e condicionando, a verdade espiritual que tinha suas raízes na Bíblia.
Rembrandt lidou com o homem e a natureza. Ambos, em sua concepção, permanecem dependentes da Força Suprema que os criou. Portanto, mesmo suas paisagens não são partes autossuficientes da natureza separadas de sua fonte e repousando em sua própria beleza, como, por exemplo, a clássica View of Delft, de Jan Vermeer. Eles estão ligados ao processo criativo de toda a vida terrena e sujeitos a mudanças dinâmicas. Para ele, não existe tal coisa como natureza morte. Pavões mortos são combinados em suas pinturas de natureza morta com pessoas vivas. Rembrandt não está disposto a cortar qualquer coisa do fluxo contínuo da criação - até mesmo uma carcaça, como vimos em seu Boi Abatido.
“Na figura dele, nunca há um arranjo de finalidades estáticas, como oferece Poussin com grande dignidade e beleza. O pessoal de Rembrandt, envolto em seus próprios pensamentos, está em comunicação, não com o mundo exterior, como os de Rubens, Van Dyck ou Frans Hals, mas com algo dentro de si que leva, ao mesmo tempo, além de si. Portanto, uma atitude introvertida, com Rembrandt, significa a busca da força espiritual no homem que condiciona sua vida, sua origem e seu curso. O homem, por assim dizer, contempla seu estado de dependência e o aceita com humildade.
“A natureza também está nesse mesmo estado de dependência, mas sem saber. Isso coloca o homem em uma posição superior e o torna o sujeito mais digno para o pintor. Rembrandt concorda aqui com o 'toute notre dignite consiste en la pensee': [Toda a nossa dignidade consiste no (poder do) pensamento.]”
Shah Jahan ca. 1656–1661, caneta e tinta marrom, pincel e lavagem marrom em papel japonês marrom claro, colocado em papel bege, 8 15/16 x 6 11/16. Coleção O Museu de Arte de Cleveland, Cleveland, Ohio.