Recentemente, tive a honra de julgar as entradas da exposição “Banks of the Hudson” para a Escola de Arte Woodstock e notei dois problemas comuns entre os desenhos e pinturas que rejeitei. Primeiro, devo dizer que houve muitos desenhos, pinturas e fotografias excelentes do rio Hudson inscritos na competição, e tive que escolher entre algumas fotos magistrais ao designar os prêmios. No entanto, fiquei surpreso que tantos artistas que orgulhosamente enviaram seus trabalhos não pareciam entender como gerenciar suas escolhas de cores, valores e contrastes para criar a sensação de espaço em suas pinturas.
Ao tomar minhas decisões, lembrei-me do que aprendi ao escrever artigos sobre vários professores associados ao Ridgewood Art Institute, em Nova Jersey. Eles explicaram que as cores geralmente seguem uma progressão prismática de primeiro plano para segundo plano. Ou seja, as cores das formas em primeiro plano costumam estar na faixa vermelho-laranja-amarelo, e as distantes tendem para a extremidade azul-índigo-violeta do espectro. Por exemplo, arbustos e gramíneas no primeiro plano imediato de uma paisagem podem ser pintados com misturas de cores que incluem verde, amarelo, vermelho ou ocre, enquanto as montanhas distantes serão melhor descritas com cores dominadas por azul ou roxo.
A outra ocorrência comum na natureza é que os objetos em primeiro plano são maiores e têm contraste, textura e clareza; os que estão à distância são menores e têm menos contraste entre os valores e as bordas mais suaves que permitem que uma forma se misture à outra. Isso é chamado de perspectiva atmosférica - a mudança que ocorre devido à quantidade de umidade e poeira no ar entre os olhos e os objetos que estamos observando e pelo fato de que algumas cores não podem ser vistas de grandes distâncias. A maioria dos artistas entende isso, mas muitas vezes tinge suas misturas de cores adicionando muito branco de titânio para torná-los mais leves, e eles não percebem que também deveriam adicionar um azul frio ou violeta - cobalto ou azul cerúleo com um toque de um vermelho frio - para dar substância a essas formas distantes.
Dois dias depois de julgar o programa Banks of the Hudson, decidi me lembrar das lições que me foram oferecidas por vários artistas, incluindo John Phillip Osborne e Joel Popadics, que lecionam no Ridgewood Art Institute e Eric Angeloch, que ensina na Escola de Arte de Woodstock. Montei meu cavalete meio francês ao longo do rio Hudson, perto de Peekskill, Nova York, e pintei uma vista favorita da Bear Mountain Bridge. Acho que fiz um trabalho bastante decente ao sugerir espaço profundo, seguindo a progressão prismática das cores. No entanto, no meio do processo de pintura, reconheci que deveria ter feito um trabalho melhor ao estabelecer um arranjo assimétrico de formas, então ajustei a forma de uma nuvem pendente para torná-la menos simétrica. (Veja a progressão da pintura abaixo).