O segundo de uma série diária exclusiva de artistas:
Mestres da aguarela americana - Frank Eber
Como você se interessou por aquarela?
Eu realmente não me interessei por isso há cerca de 15 anos atrás, quando vi uma pintura de Percy Gray. Eu sempre associei aquarela com pinturas de filhotes em uma cesta, vinhetas com muito papel branco ou algo que você veria em uma placa no canteiro de obras. Eu não podia acreditar que alguém pudesse pintar assim em aquarela. Uma pintura, como uma verdadeira obra de arte! Sim, eu fazia parte da multidão que olha para a aquarela como o “meio de desenho”.
Eu basicamente me educei no meio, estudando a cena em aquarela britânica do século XIX, os pintores da Califórnia e “os Barbizons da Califórnia” do início do século XX. Fiquei viciado na força natural do meio para transmitir humor, atmosfera e uma sensação tonal suave. Eu fui treinado em óleo e guache; do guache, foi um pequeno passo para a pintura em aquarela.
Quem foram os pintores de aquarela que mais te inspiraram?
Meus heróis são Percy Gray e Marion Wachtel, do movimento California Scene, e Edward Harrison Compton. Mais tarde, eu também fui inspirado por Andrew Wyeth. Eu também teria que mencionar John Singer Sargent, é claro!
Devo dizer que sempre fui mais inspirado por pintores a óleo, como Corot, Compton, Zorn, Sargent ou Carl von Marr. Tenho esse fascínio de pintar aquarela como um pintor a óleo e na verdade apliquei muitas técnicas de pintura a óleo no meu trabalho em aquarela. Não é novidade, os pintores do movimento britânico de aquarela também fizeram isso.
O que você procura - o que mais o atrai - ao procurar um assunto em potencial?
Quase tudo pode ser transformado em uma pintura. Eu gosto de cenas bucólicas, mas também faço muitos retratos e cenas urbanas. Ainda assuntos da vida também podem ser ótimos! É principalmente sobre padrões claros e escuros, não muito sobre o que é! Um pintor disse uma vez: "Uma cabeça é algo que você escolhe para que a luz caia". Isso também vale para a pintura de paisagem. Um celeiro pode parecer espetacular à luz certa e super chato em um dia de tédio! Também procuro elementos de design. Ao pintar a figura humana, sou atraído pela emoção, expressão e gesto.
Você disse que pintar no local - en plein air - é o melhor professor.
Você pode elaborar?
A pintura a ar Plein ensina você a trabalhar sob pressão e produzir alguma coisa. Qualquer coisa. Distrações como mudar a luz, as moscas, o vento, o tráfego e os espectadores irritantes aumentarão sua capacidade de foco.
Pintar ao ar livre me ajudou a entender melhor a cor e o valor. Existem mudanças de cor e valor muito sutis na natureza que a câmera tem dificuldade em captar. Quando você pinta no local, pode ver, cheirar, sentir e tocar seu objeto. Parte dessa energia entra no trabalho.
Você acha que existem algumas limitações para pintar ao ar livre?
Definitivamente. Embora o que eu disse antes seja verdade, é muito difícil pintar pinturas mais pensadas, elaboradas (não necessariamente mais detalhadas) ou maiores do lado de fora. A mudança de situações leves força você a tomar decisões rápidas que podem ser boas, mas nem sempre são melhores. Uma abordagem mais silenciosa e imperturbável pode produzir uma pintura mais elegante e sofisticada. Além disso, condições extremas de luz, que duram apenas alguns minutos, só podem ser feitas no estúdio a partir de materiais fotográficos, ou seja, uma cena minutos antes do pôr do sol etc.
O que você quer dizer com olhar uma cena com os olhos de um pintor?
Os pintores vêem o que os objetos e as formas fazem, é assim que eles interagem em termos de luz, valor, cor e design. Os pintores não se importam tanto com o que é, apenas vêem o efeito que a luz exerce sobre ela. Os não artistas vêem objetos pelo que são, ou seja, um carro, uma árvore ou um edifício. Muitas vezes nem vêem o jogo de luz e sombra. Isso também se refere à terceira questão, referente ao assunto.
Você acha que um pintor pode mudar - ou editar - uma cena demais ao pintar no local?
É fácil de fazer. Eu estraguei muitas pinturas assim. Eu acho que a chave é reconhecer sobre o que é a cena, em primeiro lugar. Se você entender, o processo de edição não é tão difícil. Como estamos lidando com informações demais, o processo de edição deve ser rápido e decisivo, e apoiar a visão e a história que você está contando, mas não tirar a essência do que é pintado.
Mudar uma cena - em vez de simplesmente editar - é muito mais difícil e as coisas podem dar errado rapidamente. É muito difícil criar uma luz diferente. Uma vez eu quis pintar a estátua de Albrecht Dürer na Alemanha depois de vê-la sob uma luz maravilhosa. No dia da pintura, é claro, não havia luz do sol e eu não havia tirado fotos. Tentei fazer isso de memória, mas saiu errado, de alguma forma falso. Não sei o que era Portanto, mudar drasticamente uma cena é um negócio complicado e eu não recomendo. Inventar uma sombra não é tão difícil ou mudar algumas cores algumas vezes pode melhorar uma cena, mas eu definitivamente fico longe de grandes mudanças.
Você sempre enfatizou a importância dos valores e padrões de valores. Eles são as chaves - os pontos de partida - para uma boa pintura?
Eu acho que você poderia chamá-los de pontos de partida. A chave para uma boa pintura é uma combinação de muitas coisas diferentes. Perceber o padrão de valor é certamente um primeiro passo importante. Primeiro devemos ver algo que mexe com a nossa alma artística. Para responder sua pergunta de maneira diferente, acho que a coisa mais importante para uma boa pintura é a inspiração. Temos que ser inspirados. Isso é grande, grande coisa! Sem inspiração, começamos a seguir os movimentos, pintando o “mesmo velho, o mesmo velho” e a arte começa a parecer fórmula e chata. O platô artístico seria quando um pintor percorre o mundo e produz a mesma pintura, não importa onde seja pintada!
Você faz pequenos estudos de valor ou rugas preliminares de cores?
Só faço estudos de valor se houver algo em uma cena que eu não entenda completamente ou saiba como resolver. É quando um estudo de valor pode realmente ajudar. Se você está apenas começando a pintar, recomendo vivamente e também os fazemos nas minhas oficinas. Não faço rugas preliminares de cores, prefiro apenas pintar uma pequena pintura.
Falando em estudos de valor: descobri, por meio do ensino, que muitos estudantes conseguem realizar um bom estudo de valor em preto e branco e não conseguem fazer uma versão em cores logo após. Isso me disse que os estudos de valor só podem fazer muito e eu comecei a mudar meus ensinamentos de acordo.
Muitas de suas pinturas apresentam assuntos complexos, como edifícios e carros. Quanto desenho preliminar você faz?
O desenho preliminar faz parte do meu processo de pintura. O desenho é a alma da pintura, tudo depende disso. Gosto muito da parte do desenho e alguns dias é um indicador para mim de como a pintura será. Isso parece estranho, mas é realmente verdade: se eu estiver rígido e hesitante durante o processo de desenho, provavelmente continuará na pintura! Se meu desenho é lento e inseguro primeiro, eu realmente tento relaxar, sacudo a mão e esvazio a cabeça para me acalmar. Depois de ter um bom trabalho de linha a lápis, sei que vou pintar bem. Tudo está conectado. Como diz o ditado, "está tudo na sua cabeça".
Isso me lembra outra coisa infeliz que vejo muito nos alunos: eles não acreditam que conseguem pintar bem. Eles são controlados pelo medo, que nada mais é do que ego, certo? Você tem medo de não ser bom o suficiente, etc. etc. O problema é que você não pode se expressar artisticamente se estiver com medo.
Quais são as maiores desvantagens de trabalhar com fotos?
Não experimentar a cena na vida real traz alguns problemas. Meu objetivo na pintura ao ar livre é sempre capturar o clima da cena, tanto quanto possível. É difícil sentir o clima de uma fotografia, sem ter estado no local. Se você tirar as fotos enquanto estiver no local, é bom e será uma grande ajuda para pintar.
Outras desvantagens são que a câmera distorce a imagem, o que eu chamo de efeito de lente olho de peixe. Isso é especialmente complicado nas cenas urbanas. Se você estiver em uma esquina olhando para a rua, tente segurar sua câmera ao nível dos olhos e compare a imagem da tela com a que seus olhos vêem. A câmera coloca muita coisa nela, mesmo as coisas que estão a três metros à direita. Sempre meço o zoom e aproximo-o do seu "tamanho real", por assim dizer.
Outra coisa ruim acontece quando você tenta tirar fotos de prédios altos. Isso não pode ser feito! Eles acabam parecendo triângulos pontiagudos na fotografia!
Você tem algumas cores nas quais confia sempre - e outras que tenta evitar?
Certo! Eu sempre uso todas as cores da natureza! Azuis, vermelhos e amarelos … oh, e tons de terra! Estou apenas brincando aqui!
A maioria das minhas lavagens maiores é uma mistura de primárias. Uso cores convenientes, como cobalto turquesa (o viridiano em pigmentos a óleo) ou violeta ultra-marinha - basicamente cores e misturas secundárias. Para as primárias, uso azul cobalto, carmim e ocre ouro verona ou azul ultramarino, magenta e sienna queimada.
Fico longe de manchas de pigmentos como o azul da Prússia ou qualquer coisa que comece com "Thalo". Eu sempre ouvi dizer que tenho uma "paleta limitada", mas acho que não. Como é limitado quando uso todas as cores primárias e secundárias?
Que papel você prefere geralmente?
Eu gosto do bloco Arches, 140lb, áspero. Eu só queria que eles fizessem blocos em tamanhos mais variados. Folhas regulares de arcos também são ótimas, mas são definitivamente um papel diferente.
Você tem alguma opinião sobre o futuro da aquarela?
Sim. Preocupa-me que haja uma porcentagem tão pequena de jovens interessados em aquarela. As grandes sociedades de aquarela devem se concentrar mais na obtenção de jovens membros. Eles devem patrocinar exposições com o trabalho de jovens artistas e oferecer bolsas de estudos a jovens artistas promissores que trabalham em aquarela. Além disso, as grandes sociedades de aquarela devem tentar se alinhar com os programas de arte das universidades em suas áreas imediatas.
Qual é o melhor conselho que você pode oferecer a um jovem aspirante a artista de aquarela?
Adendo? Eu mesmo poderia usar alguns! Sério, trabalhe duro em seu ofício! Aprenda a desenhar bem. Estude pintura, se não academicamente, pelo menos em uma escola que ensine todo o básico, como desenho, perspectiva, anatomia, etc. Acredite em si mesmo e em sua arte. Não peça críticas à sua família e amigos. Não se leve muito a sério! É pigmento no papel.
Faça shows e competições em grupo quando começar. Shows one-man são para artistas consagrados, não para quem está começando. Desenvolver uma pele grossa. Prepare-se para lidar com a rejeição, artistas mesquinhos, ciúmes e inveja. Ah, e lembre-se deste: as pessoas lhe dirão o que você quer ouvir.
Muitas vezes, é quem você conhece e o quão bem conectado você é que pode fazer toda a diferença. Esteja ciente das realidades: o mundo ocidental tem pouca consideração pelo meio aquarela. Muitas galerias não aceitam aquarelas. As aquarelas não vão buscar tanto quanto as pinturas a óleo. Os jurados geralmente não premiam aquarelas.
Lembre-se, os maiores artistas continuam sendo estudantes a vida toda. Faça a criação de arte, a pintura é prioridade. Tudo o resto vem depois. E leia isso de novo!