Pintura a óleo: Séculos de idade e ainda forte
A pintura a óleo remonta há séculos e é uma prática artística incrivelmente abrangente. A primeira descoberta de seu uso remonta ao século V dC ao vale Bamian do Afeganistão, onde artistas indianos e chineses criaram centenas de pinturas no nexo de cavernas do local.
Mas a arte da pintura a óleo não alcançou grande destaque e uso até chegar ao norte da Europa no século XV. O artista holandês Jan Van Eyck é creditado com mais frequência por “descobrir” a prática, tendo experimentado técnicas de pintura a óleo em seus trabalhos em painéis de madeira, incluindo seu famoso retrato de casamento de Arnolfini. Eventualmente, a pintura a óleo varreu o resto da Europa, substituindo a pintura de têmpera como o meio de escolha mais proeminente e se tornando a prática de pintura mais intimamente associada à arte do Alto Renascimento.
O que inicialmente tornou a arte da pintura a óleo tão atraente foi o brilho e a riqueza de suas cores. O que lhe permitiu resistir ao teste do tempo é sua adaptabilidade aos caprichos e requisitos de um artista. Por exemplo, os artistas de pintura a óleo da Renascença tendiam a usar tintas a óleo em camadas, trabalhando mais que a magra (o que significa adicionar mais óleo ao pigmento à medida que você passa por cada camada sucessiva para permitir uma secagem ou cura adequada, de modo que a superfície final da pintura ganhe rachar) e escuro para claro. Isso geralmente é chamado de pintura indireta e permite que um artista construa a superfície da pintura, desde pintura insuficiente em tons até esmaltes de acabamento.
Durante o período impressionista, muito disso mudou. Os pigmentos de óleo foram colocados em tubos e os artistas estavam livres para se deslocar ao ar livre, onde frequentemente pintavam “molhado em molhado”, misturando tinta diretamente na superfície e não esperando uma camada de tinta secar antes de voltar à pintura. Atualmente, os artistas costumam combinar um ou ambos os métodos em sua arte a óleo.
E o apelo adicional da pintura a óleo está no fato de que sua translucidez, brilho e espessura podem ser ajustados. Também pode ser usado com ceras, resinas e vernizes, provando que o processo e as possibilidades inerentes à pintura a óleo de belas artes são tão variados e facetados quanto as obras de arte feitas ao longo dos séculos.
Compre pincéis para pintura a óleo com cerdas firmes e que não se dobrem muito sobre o ferrolho, e observe cabelos soltos ou abertos. Em termos de tipos de pincéis, os pincéis planos são frequentemente usados ao aplicar grandes áreas de óleo na tela. Avelãs suavizam as bordas; brights são pincéis planos e curtos e geralmente usados para descobrir como texturizar a superfície de uma pintura para obter efeitos ousados. As escovas redondas são versáteis e podem ser usadas em praticamente qualquer lugar e em qualquer coisa durante o processo de pintura. Os pincéis de ventilador levam o nome e diminuem as pinceladas e suavizam as gradações de tom.
Você pode abordar pinceladas de pintura a óleo de várias maneiras. Você pode aplicar a tinta em camadas finas, trabalhando a gordura sobre a magra. A chave do sucesso é aplicar tinta que contenha mais óleo em todas as camadas sucessivas. As técnicas de empastação são bem diferentes. Você pode aplicar tinta a óleo diretamente do tubo, trabalhando com um pincel ou uma faca de paleta. Para aumentar os efeitos de textura na superfície da pintura, você também pode tentar misturar a tinta com areia ou serragem.
Para texturas sutis e transições suaves, remova a tinta, aplicando uma película fina de tinta seca (sem adição de óleo) em uma superfície seca. Isso dará a uma pintura uma delicada névoa de cor, revelando a cor da pintura e mesclando-a opticamente com a camada de respingo. Para fugir, comece com um pincel velho ou gasto e esfregue a superfície da pintura livremente e em qualquer direção que seja adequada à natureza da pintura.
O paisagista Timothy R. Thies ensina aos alunos de sua oficina de pintura a óleo como capturar as temperaturas indescritíveis e sutis da luz e sombra em seu trabalho.
"Rosas nubladas ilustra o princípio da luz fria e das sombras quentes", disse Thies. “O que quero transmitir aqui é que todos os objetos da luz foram pintados com cores frias - a frieza é a temperatura da luz de um dia nublado. Todas as áreas de sombra nesta pintura são pintadas em cores mais quentes, especialmente em comparação com o que as rodeia. A temperatura da cor é sempre comparada entre duas cores. Por exemplo, nesta pintura, as cores nas áreas claras são mais frias em comparação com as cores nas áreas sombreadas.
"Em Hunky Dory, temos exatamente o oposto", continuou Thies. “Você ainda deseja contrastar todas as formas em sua pintura que estão à luz de um dia ensolarado com as das sombras. Em um dia ensolarado, como em Hunky Dory, todas as notas de cor na luz são mais quentes que as das sombras - as sombras sendo predominantemente mais frias. Além disso, em um dia ensolarado, você produz pinturas com cores mais claras e brilhantes e mais contraste do que em pinturas feitas sob condições de luz fria ou nublado. Compare as pinturas lado a lado. A pintura nublada tem mudanças de cores muito sutis. Em Hunky Dory, a pintura do dia ensolarado, você pode ver mudanças de cores mais distintas e uma gama maior de alterações de valor. A maioria dos artistas prefere as pinturas em dias ensolarados porque as mudanças de cor são mais óbvias e as pinturas nubladas podem parecer muito cinza e desagradáveis. Se você olhar mais de perto, no entanto, começará a ver as mudanças sutis de cores dos conceitos de luz fria e sombra mais quente, muito semelhantes à pintura sob condições de luz norte em um estúdio. Ao pintar nas duas condições de iluminação, você adicionará variedade às suas pinturas acabadas.”
Algumas semanas antes de um workshop, Thies envia a cada um de seus alunos um pacote de informações sobre como fazer cartelas de cores antes de chegar para o evento de três dias. Ele incentiva os artistas a preencher as tabelas de cores para entender melhor não apenas as cores que estavam usando, mas também como elas interagem. “Quantas vezes você olhou para um objeto na natureza e pensou: 'De que cor é essa e como a misturo?'”, Thies perguntou em sua carta aos alunos. “Ao misturar duas cores mais o branco da sua paleta, você começará a aprender e a memorizar as misturas de cores bastante bonitas. O que poderia ser mais gratificante e divertido?”
Cada cartela de cores se concentra em uma cor dominante - verde seiva, por exemplo - e como ela interage com cada uma das outras cores em uma paleta. Os gráficos de Thies - que ele recomenda pintar em painéis de lona, uma polegada quadrada para cada bloco de cores, seccionados com fita branca de artes gráficas de 1/8 ″ - sempre têm cinco linhas horizontais de profundidade, com a linha superior sempre com o valor mais escuro e o inferior remar sempre o mais leve. O número de colunas verticais depende do número de cores experimentadas - idealmente, o suficiente para acomodar o número de cores na paleta. As linhas de cores horizontais são compostas de misturas de cada cor na paleta combinadas em porcentagens variadas com a cor dominante.
A primeira coluna de tinta em cada gráfico é o matiz dominante misturado apenas com o branco. Comece pintando a Caixa 5 - a caixa superior - diretamente para fora do tubo, para que ela fique com a cor dominante sólida. Em seguida, misture a cor dominante com muito branco, para que a mistura fique apenas um pouco mais escura que o branco. Essa mistura está na Caixa 1, na parte inferior do gráfico. Agora as caixas 5 e 1 estão completas. A caixa 3 é uma mistura uniforme de branco e de cor dominante - por exemplo, verde seiva. As caixas 2 e 4 estão entre os valores de 1 e 3 e 3 e 5, respectivamente. Estrabismo na coluna deve revelar uma gradação uniforme de cores de cima para baixo. Agora misture cores para a coluna dois.
O restante das colunas são combinações da cor dominante com outras cores, por exemplo, verde seiva com profundidade ultramarina, verde seiva com luz azul cobalto, verde seiva com viridiana e assim por diante. “Não existe uma maneira perfeita de pintar tabelas de cores”, lembrou Thies aos alunos, “basta ter paciência consigo mesma. É um processo demorado, mas os resultados são bonitos e muito satisfatórios.”
Fonte: De um artigo de Edith Zimmerman, outono de 2006, edição do Workshop
Pontas da pintura a óleo do alto dez
O artista Randall Sexton inspirou inúmeros estudantes com suas aulas de pintura a óleo. Aqui estão algumas de suas dicas favoritas de pintura a óleo, que certamente desencadearão as melhores práticas em sua arte.
- Mantenha sua paleta de pintura a óleo organizada com as tintas dispostas da mesma maneira cada vez que você trabalha.
- Pré-misture pilhas de tinta que representem as grandes “peças do quebra-cabeça” ou grandes massas de sua composição, começando pelas cores que você conhece e trabalhando em direção àquelas que não conhece.
- Esteja ciente das alterações de cor nas bordas das formas, o que dará forma e volume às suas formas.
- Se você quiser ver as formas diretamente, feche um olho.
- Faça primeiro as relações de cores na paleta e tente testar os pontos na tela.
- Trabalhe em painéis muito pequenos no local para experimentar cores, e não na superfície final.
- Faça gráficos de cores que relacionem as várias cores da sua paleta.
- Atenha-se a uma paleta limitada.
- Mantenha uma mão no volante, olhe para o espelho e faça a costa. Em outras palavras, relaxe!
- Para julgar o valor e a cor, afaste-se da pintura para fazer os julgamentos finais.
Fonte: De um artigo escrito por Steve Doherty, outono de 2006, edição do Workshop.
Construindo um centro de interesse em uma pintura a óleo
Chame de foco, ponto focal ou centro de interesse. Para Doug Higgins, é uma parte crucial do planejamento de suas pinturas. Quando uma cena o atinge e ele tem uma imagem clara da composição em sua mente, ele monta o cavalete, mas Higgins diz que nunca aceita a natureza como ela vem. “Eu sei que posso mudar a cena - inventar coisas, eliminar algumas coisas, simplificar outras, mover elementos, iluminar ou neutralizar cores - para servir à idéia da pintura”, diz ele. “Equilíbrio e desenho cuidadosamente os elementos. Meu objetivo é a simplicidade. A complexidade é fácil - qualquer pessoa pode conseguir isso copiando sem pensar os detalhes. Você precisa de estratégias inteligentes para simplificar.”
Como Higgins começa com a imagem de uma pintura em sua mente, ele não precisa de esboços em miniatura. Suas primeiras considerações são estabelecer o ponto focal, localizar a linha do horizonte e colocar as maiores massas. "Uma pintura não é uma coleção de peças, mas uma construção", diz ele. "Eu estabeleço massas desde o início, mantenho essas decisões e mantenho essas massas usando valores próximos."
Higgins esboça os principais elementos com um pincel pequeno e macio. O próximo passo é aplicar uma lavagem fina de aguarrás com um pincel grande, usando cores transparentes - alizarina carmesim, sienna queimada, azul ultramarino e viridiana para as sombras e cores locais quentes nas áreas claras - para estabelecer as principais formas. Com essa etapa, o artista limpa o quadro com uma toalha de papel, criando uma variedade interessante de cores. Usando tintas mais espessas, ele começa com o ponto focal, completando-o antes de passar para outras áreas. Ao estabelecer o nível de luz mais claro, o mais escuro e o mais alto nível de detalhe e contraste no centro de interesse, ele estabelece padrões pelos quais julga as partes subordinadas da pintura.
Como o olho é atraído pelo contraste, Higgins usa o contraste mais forte em valores, cores, bordas, texturas e grau de detalhe em seu centro de interesse. Elementos lineares levam os olhos do espectador em direção ao ponto focal. Para evitar que o espectador se distraia com o primeiro plano, ele simplifica e abstrai essa área. Às vezes Higgins faz das figuras o foco secundário. O artista também usa pontos focais secundários para equilibrar a pintura a óleo e evitar sobrecarregar uma parte da imagem.
Fonte: De um artigo para o Artist Daily escrito por Linda S. Price
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